15 выставок в пространстве Cube.Moscow: работы, которые нужно увидеть

Cube.Moscow — центр современного искусства, где в одном пространстве представлено 16 независимых галерей. Экспозиция обновляется каждый месяц, и одновременно с этим здесь проходят перформансы, аукционы современного искусства, лекции и тематические дискуссии. Редакция INTERIOR+DESIGN выбрала 9 работ современных художников в Cube.Moscow, которые стоит увидеть на новых выставках до 15 декабря 2024 года.

По теме: Выставка к 100-летию Кукрыниксов в «Манеже»

Владимир Немухин. «Луна в Лианозово» (2005)

Postrigay Gallery

В Postrigay Gallery идет выставка «Хрупкость вне времени», где представлены произведения художников, важный период работы которых пришелся на 60-е годы прошлого столетия. Одна из примечательных работ в экспозиции — картина «Луна в Лианозово» Владимира Немухина, одного из самых ярких представителей неофициального искусства СССР и ключевой фигуры Лианозовской группы, творческого объединения художников, противостоящих официальной советской эстетике. Работа показывает, как художник объединяет мотивы игрального стола и карт с абстрактным пейзажем.

Игральная колода карт — одна из любимых тем Немухина. Они предстают не просто элементами натюрмортов, а символами игры судьбы или случая. Карты в его работах напоминают о «вечной игре», в которую вовлечен каждый человек. Образ «поющей» луны на картине Немухина олицетворяет нечто неизменное, вечное, что наблюдает за игрой жизни.

Творчество Владимира Немухина сыграло ключевую роль в становлении советского и российского современного искусства. Его работы вошли в коллекции крупнейших музеев мира, таких как Третьяковская галерея, Московский музей современного искусства, Музей современного искусства в Нью-Йорке (MoMA) и Музей Людвига в Кельне.

Кирилл Александров. «Три черные фигуры» (2024)

Галерея «КультПроект»

«Три фигуры бионической формы, стремящиеся застыть в преддверии падения и стать архитектурой», — говорит о своей работе, расположившейся в центре большого выставочного зала Cube.Moscow, художник Кирилл Александров. Объект стал частью экспозиции коллективной выставки «Архипелаг Утопий», организованной галереей «КультПроект» под кураторством Юлии Манусевич и Ирины Солнцевой и посвященной архитектурным фантазиям и утопическим представлениям.

Кирилл Александров более 20 лет работает над объектами, сделанными из различных материалов, в том числе бетона, стали, алюминиевых сплавов и дерева. Художник создает объемно-пространственные композиции, динамические конструкции и интерактивные объекты с использованием оптических иллюзий, извлечением звуков и другими приемами. Его работы легко масштабируются до паркового или городского арта.

Каролина Росляк. «Тайное общество» (2023)

Cube.Market

В экспозицию персональной выставки молодой художницы Каролины Росляк «Праздник местного значения», которая проходит под кураторством Кети Богомаз, вошли работы, посвященные темам поиска своего места в жизни, собственной идентичности и предназначения. Персонажи картин, оказавшиеся на неверном пути, заблудившиеся в своих стремлениях и желаниях, служат визуальной метафорой для тех, кто, потеряв себя, пытается вернуться к своим истинным ценностям.

Работа «Тайное общество» про феномен комьюнити, о которых мы мечтаем и в которые стремимся попасть, надев маску «своего», и растворяемся в нем, думая, что находим себя, а на самом деле теряем. «Тайное общество настолько тайное, что и информация о нем строго конфиденциальна», — коротко и иронично комментирует эту работу сама Каролина Росляк.

Ольга Махно. «Куда течет река» (2024)

MSCA Gallery

Инсталляция «Куда течет река» состоит из найденных объектов, бязи, видео и резервуара с водой — это часть персонального проекта мультидисциплинарной художницы, выпускницы программы «Современное искусство» MSCA Ольги Махно «Река без имени». Работа задумана художницей как приглашающая зрителей к взаимодействию — по «реке» можно ходить, рассматривать скрытые детали, менять предметы местами. Проект затрагивает вопросы памяти и забвения, болезни и здоровья, темы безвременья и милосердия. Инсталляция включает графику, живопись и керамику художницы.

«Для меня инсталляция «Куда течет река» — это фрагмент мифической реки Океан, водораздел между двумя мирами. Мы вовсе необязательно должны как-то его обозначать, называть, но он, как рубеж, делит наши жизни на прошлое и будущее, жизнь и смерть. Форма реки имеет подчеркнуто не бионическую форму. Ее словно вырезали хирургическими ножницами. Ведь так мы и взаимодействуем с памятью: подчас через почти оперативное вмешательство пытаемся достать то, что подо льдом времени потеряно или спрятано. В реке размещены предметы, которые — как рефренные воспоминания — проглядывают в прорубях сквозь толщу воды и постоянно напоминают о себе. С одной стороны — щемяще радостные, милосердные, с другой — болезненные. И наши эмоции зависят от того, в какой момент вспомнилось, с кем рядом, в каком окружении. Эти рефренные воспоминания, эти образы также повторяются в графике, живописи, керамике, которые сопровождают инсталляцию», — объясняет художница Ольга Махно.

Марина Глебова. Mama (2024)

159F Gallery

Полотно под названием Mama, представленное на персональной выставке Марины Глебовой «Считалка» в 159F Gallery, — высказывание художницы об отношениях родителя и ребенка, а также о доверии к миру каждого человека. «Тема взросления, покидания дома — такого смутного, сложного периода — меня давно будоражит. Меня волнует время, когда дом кажется одновременно и ловушкой, и убежищем, когда внешний мир и притягивает, и пугает», — делится Марина Глебова. Художница в своем творчестве обращается к теме бессознательного, затрагивает уровень скрытых желаний и страхов. Часто в работах Марины можно встретить тревожные образы, которые представлены будто ярким детским взглядом.

Картина Mama, выполненная акрилом и масляной пастелью, — о материнском желании контролировать все как в своей жизни, так и в жизни ребенка, об эмоциональном состоянии тревожности и недоверия, которое передается от родителя к ребенку. Художница размышляет о сепарации, необходимости человека расширять границы своего мироощущения и создавать себя, но при этом ценить дом и семью.

Анастасия Прокофьева. «Зверь-лес» (2018)

Галерея Monart

Работа представлена на выставке «Химеры» под кураторством Инны Мурашевой в галерее Monart. Лес Анастасии Прокофьевой антропоморфен — он как живое существо, в котором деревья и растения образуют распадающуюся и в то же время единую сущность.

Лес, выполненный тушью на бумаге, предстает перед зрителем в перевернутом виде, будто отраженный в воде. Если перевернуть изображение, зритель увидит привычный образ старого заросшего леса, но именно благодаря перевернутому положению работы открываются антропоморфные контуры, переплетения линий и пятен, напоминающие японскую каллиграфию. Процесс работы Анастасия Прокофьева описывает так: «Создание картины происходило подобно росту диких растений — это был спонтанный акт, воспроизводящий природные паттерны».

Сардор Эркинов. «Лейли и Маджнун» (2024).

TRIPTYCH Gallery

Сардор Эркинов родился в городе Коканд в Узбекистане. Начинающий художник уже зарекомендовал себя как звезда арт-сцены Узбекистана, а теперь все больше проектов Сардора Эркинова можно увидеть и в России. Так, прямо сейчас в TRIPTYCH Gallery представлен его соло-проект «Сад влюбленных». В работах художник обращается к своей культуре и произведениям классиков персидской поэзии, например, Низами Гянджеви. Работы Сардора Эркинова интересны и важны тем, что он показывает традиционные для своей страны темы, не скрывая влияния западной культуры, при этом с уважениям относясь к первоисточникам и канонам.

Картина «Лейли и Маджнун» из серии «Хамсе» вдохновлена одноименным произведением поэта Низами Гяджеви. Это трагическая история любви в духе Ромео и Джульетты рассказывает о том, как молодой поэт влюбился в девушку по имени Лейли, но ее семья была против их союза, и Лейли насильно выдали замуж за другого. Поэт же сошел с ума, покинул свой дом и ушел скитаться по пустыне. Произведение оказало значительное влияние на культуры Среднего Востока и Закавказья.

Людмила Константинова. Из серии «Живопись для дырок» (2024)

Syntax Gallery

Персональная выставка Людмилы Константиновой Put on Your Red Shoes and Dance the Blues в Syntax Gallery с новыми объектами и живописью — ироническое переосмысление советского прошлого через сказку «Волшебник изумрудного города». Константинова размышляет над образом маленького человека, способного победить зло, и изображает его с предрассудками, мечтами и забавными деталями. Пыжиковые шапки, настенный гобелен, пропагандистские плакаты с Лениным и Брежневым иронически перемешаны с цитатами из сказки и словами песни Дэвида Боуи Let’s Dance.

Серия Людмилы Константиновой «Живопись для дырок» ставит под сомнение предполагаемую цель и значение современного искусства. Инсталляция состоит из 15 холстов разных размеров и стилистически отсылает к минимализму или оп-арту. Работать над серией художница начала еще в 2011 году — в ней она попыталась «создать произведения, которые могли бы быть полезны разным людям». Первая инсталляция из этой серии была приобретена Чарльзом Саатчи в 2012 году. Удовлетворяя минимальные требования приемлемости — и избегая каких-либо спорных тем или форматов, она сделала холсты разных форм и размеров, покрасив их в яркие однотонные цвета, чтобы каждый мог найти «свое». Как следует из названия, картины также были созданы с другой конкретной целью: их можно использовать, чтобы скрыть любые дефекты на стене, такие как трещины или следы краски. Однако, что важно, все они, по сути, одинаково пустые. Таким образом Константинова превращает декоративный объект в размышление о функции и смысле искусства для человека в наше время.

«Это очередная инкарнация моего проекта «Живопись для дырок», где я предоставляю коллекционеру, в чьих руках окажется моя работа, поиграть с ней, перевесив холсты по своему желанию, закрывая что-то, что хочется закрыть на стенах, разделив работы или составив их по своему вкусу», — делится Людмила Константинова.

Анастасия Григораш. «Ларец Кощея» (2024)

Галерея «Небеса»

Персональный проект Анастасии Григораш «В 3/9 царстве» в галерее «Небеса» — собирательный образ современного прочтения русских народных сказок. Работы объединяет тема повседневной жизни сказочных героев в новое время, где отражается влияние и распавшегося Советского Союза, и западноевропейской культуры, и русской народной традиции. Василиса Премудрая, Кощей, Баба-Яга получают черты современного общества и массовой культуры.

В «3/9 царстве» Анастасии Григораш Кощей становится блогером-инфлюенсером и вместо того, чтобы чахнуть над златом, ведет популярный блог о бессмертии, пишет посты на тему «Как я живу 1000 лет и не старею», а в своем драгоценном ларце, декорированном розовым мехом, держит сказочных уточек для ванны. «Проект «В 3/9 царстве» — в некотором смысле художественное хулиганство, нарушение логики и выдумка в крайней степени своего выражения. Почему резиновые (керамические) уточки в ларце Кощея? Куда делось яйцо? А заяц? Почему Кощей в татуировках? Кто делал пирсинг Василисе? Почему царевна-лягушка в банке? И еще множество других вопросов и ответов на них я услышала на открытии выставки, что для меня, как для автора, несет большую ценность и раскрывает проект с его новой стороны — зрители сами начинают участвовать в процессе мифотворчества. Таким образом прямо на глазах рождается то, что было взято за основу концепции проекта — современная русская народная сказка», — рассказывает художница Анастасия Григораш.