Новое мировоззрение (с 1990-х и до наших дней) принято описывать как метамодернизм, пришедший на смену постмодернизму и предшествующему ему модернизму. Предполагается, что современная культура характеризуется постоянными колебаниями (осцилляциями) между модерном и постмодерном. По мнению Люка Тернера, автора «Манифеста метамодерниста», она сочетает просвещенную наивность, прагматический идеализм и умеренный фанатизм, балансируя «между иронией и искренностью, конструкцией и деконструкцией, апатией и влечением». Cобственно термин «метамодерн» был предложен в 2010 году голландскими философами Тимотеусом Вермюленом и Робином ван ден Аккером. Свои идеи Вермюлен и Аккер изложили в книге «Заметки о метамодернизме». Они считают, что метамодерн — это свободная структура чувств. В ней нет места снобизму, элитизму, нет высокой и низкой культуры.
Речь идет о радикальной открытости и всепринятии. Таким образом, метамодерн не отстаивает готовую идею или концепцию, а предлагает найти ее самостоятельно, используя «осциллирующее движение». Колебания маятника культуры обусловлены грандиозными экономическими и технологическими изменениями на рубеже XX– XXI веков, наступлением новой эры глобализации, интернета и повсеместного перехода от аналоговых технологий к цифровым, от монополий к индивидуальным стартапам. Эти сдвиги по масштабам воздействия иногда сравниваются с аграрной революцией периода неолита или промышленной революцией XVIII–XIX веков.
Метамодерн, как культурный процесс, развивается на фоне усиления нового поколения технологических энтузиастов — мейкеров (от англ. maker — создатель, творец). «Экономисты, философы и провидцы говорят о новой промышленной революции, об индустрии мейкеров, производителей 2.0. Индустрия мейкеров — это современные ремесла, — уточняет Эррол ван де Вердт, директор Textile Museum, Тилбург. — Основными принципами становятся персонализация, устойчивое развитие и переосмысление использования ресурсов. Во главе угла — союз дигитализации и персонализации производственного процесса. Раньше устойчивое развитие было доминирующей темой в мире искусства и дизайна и трактовалось предельно функционально. Сегодня мы наблюдаем переход к сочетанию функциональности и красоты. Дизайнеры ищут изысканную эстетику. Параллельно растет движение «Сделай сам» (DIY). Оно формирует альтернативу массовому производству, позволяет создавать мелкие индивидуальные серии».
По теме: Тренды дизайна 2021: 6 интерьерных тенденций по версии немецких экспертов
Очевидно, что дизайн приобретает новые смыслы и черты. Дизайн (от англ. design — проектировать, задумать) как «художественное конструирование», а также результат этой деятельности перестает зависеть от фабрики и силы коллективного труда. Вчера теоретической основой дизайна была техническая эстетика.
Сегодня дизайнер перестает быть частью большой индустрии, его идеи могут быть воплощены и «доставлены» потребителю, минуя заводской конвейер. Термин «промышленный дизайн», активно вошедший в обиход в конце 1950-х, повсеместно воспринимался как замена понятию «дизайн». Но за 60 лет, через поколение, подобная трактовка потеряла основу. На смену промдизайну пришел дизайн студийный, рожденный в частных мастерских и студиях и не предназначенный для широкого производства. Промышленный продукт всегда был нацелен не на эстетическую привлекательность, а на экономическую эффективность, где затраченное на производство объекта время — одно из важных мерил его дизайна. Цель — работать быстрее, чтобы обеспечить товарами все большее количество людей и получить максимальную прибыль. Дизайнер в этом процессе присутствует на стадии прототипирования, а его первоначальный проект проходит многочисленные редакции.
Вчера главным другом и соперником дизайнера был инженер, сегодня практикующие студийные дизайнеры привлекают к сотрудничеству самых разных специалистов — от химиков и микробиологов до стеклодувов и каменотесов. Междисциплинарные, а не промышленные связи стали важнейшей основой для появления авангардных, экспериментальных проектов, ориентированных на благополучие.
В отличие от промдизайна дизайн студийный создается личностью и ориентирован на личность. Он возвращает нас к средневековым практикам художественных ремесел и артелей, но на новом цифровом уровне технологий, оперируя возможностью реагировать как на глобальные вызовы, так и на инклюзивные интересы отдельных групп и индивидуумов. Процесс создания объектов «студийного дизайна» протекает вне рамок масштабного, серийного производства, руками самого дизайнера или по его эскизам, под непосредственным его руководством, следуя его замыслу. Экономическая составляющая, в ее модернистской трактовке, не является больше определяющей для объектов. В студиях могут проводиться эксперименты с новейшими техниками и переосмысливаться прежние. Для studio design характерно применение как аналоговых инструментов, так и передового оборудования (3D-принтинга или роботов, например); как традиционных материалов: глины, дерева, стекла, металла, так и экспериментальных — всевозможных композитов, биопластиков, мицелия, искусственных смол и т. д. Студийный дизайн часто бросает вызов функции, выглядя как функциональная скульптура, чья эмоциональная составляющая важнее эргономики.
Как ответ на многочисленные проблемы (информационного шума, избыточного потребления и загрязнения окружающей среды), стали появляться предметы, пытающиеся наладить именно чувственный контакт со своим владельцем. Отношение к ним, по мнению ряда дизайн-критиков, схоже с отношением к домашним питомцам, которые помогают восполнить потребности не функциональные, а душевные — в заботе, радости, ментальном равновесии и самоиндентификации. Социальная и экологическая ответственность, культурные различия, гендер и инклюзивные исследования также являются важной составляющей новых работ, поскольку их месседж определяет исключительно сам автор. При разнообразии идей, материалов и методов, включая апсайклинг и ресайклинг, при широком диапазоне цен и географии производства, студийный дизайн ограничен только малым тиражом. Свободные в творчестве его авторы стремятся выразить себя, свое видение и настроение, не рассматривая функциональность как ограничение, но воспринимая рукотворность как поэзию. Станут ли их творения объектами для коллекционирования? — вопрос, ответ на который надо искать, не выстраивая жесткие параллели между студийным, галерейным и коллекционным дизайном.
Марина Ширская — является ярким примером критика и куратора, успешно занимающегося проектами на стыке дисциплин (современного искусства, дизайна и ремесла) и вносящих вклад в мировую культуру и искусство. Эксперт с более чем 20-летним опытом работы Марина является со-основателем проекта Wondercraft, который направлен на продвижение дизайна и декоративно-прикладного искусства посредством серии выставочных проектов. В последние годы она также занималась кураторской деятельностью и мероприятиями в России, Великобритании, Нидерландах, Финляндии, Франции, Швейцарии, ЮАР, США и Бразилии. Была куратором номинации Arts & Crafts премии Russian Project (2021) и Design Now (2023). С марта 2020 года является членом экспертного совета Всероссийского музея декоративно-прикладного искусства. В 2022 году стала со-куратором III конкурса предметного дизайна «Придумано и сделано в России».
