Дизайнер Начо Карбонель (Nacho Carbonell, р. 1980) создает в Голландии уникальные объекты, балансируя на грани искусства и дизайна. Сфера его интересов: органические материалы, социальные проекты, исследование коммуникативных привычек человека.
Родился Начо в 1980 году в Валенсии. Определяющей для себя называется поездку в США в возрасте 18 лет. «Именно тогда я понял, что хотел бы что-то делать своими руками». Учился сначала в университете Cardenal Herrera на промышленного дизайнера, где студентов обучали проектированию кофе-машин, соковыжималок и мебели. «Вместо священной книги в то время у меня было жизнеописание Бруно Мунари, его работы выглядели для меня верхом совершенства в дизайне». Однако Карбонелю было мало мастеровитости, полученной в техническом университете.
Он мечтал привнести в предметный мир созерцательность и индивидуальность. Этому учили в Эйндховене, и в 2007 году, в 27 лет, Карбонель закончил Академию дизайна с первым заметным проектом, Pump It Up. Проект был следующим: на интерактивный стул садился человек, и под воздействием его веса приходили в движение помпы, надувавшие стоящие рядом фигуры животных. Основной идей было исследовать, как мы можем адаптироваться к предмету, и как предмет может адаптироваться под нас.
«Я уверен, что эти маленькие надувные животные стали главным катализатором моей карьеры. Метафора оказалась настолько удачной, а параллель между вымыслом и реальностью так наглядна, что оставалось только продолжать в том же направлении». В 2009 году за коллекцию Evolution его наградили призом Beazley Design of the Year Лондонского музея дизайна.
С тех пор это стало основным подходом дизайнера: устанавливать связь пользователя и объекта, иногда довольно необычными способами. Его объекты вообще ставят под сомнение общепринятые утверждения и догмы промышленного дизайна.
«Когда дизайнер проектирует стул, он это делает не потому, что нужно, а потому, что хочет этого. Мне очень хотелось изучить не только консьюмеристкий аспект дизайна (каким должен быть предмет, чтобы его захотелось купить), но и чего мог бы хотеть сам объект от нас, от людей. Я был обеспокоен тем фактом, что для человека большинство вещей теряет свое обаяние с годами. Я мечтал о том, чтобы вещи имели способность говорить о наших глубоких базовых потребностях. О жизни и смерти, об одиночестве и веселой компании, о взлетах и падениях. Чтобы их не выкидывали только потому, что они недостаточно модные или чистые».
Он придает предметам вполне человеческие свойства. «Я представляю, что мои предметы — это люди, похожие и различные одновременно. Мои конструкции похожи по форме, но различны по материалам: есть и дерево, и металл, и керамика, и текстиль, и стекло».
Карбонель дает предметам голос. Они вместо дизайнера задают зрителям различные вопросы. Таким образом предмету сообщается смысл, далекий от утилитарного. «Стул из проекта Tree Chair спрашивает сам себя: что я здесь делаю, какие у меня цели в жизни. Если стул сделан из дерева, по сути — он дерево, и может быть также и убежищем».
Дизайнера интересует коммуникация различного рода, в том числе и в общественных пространствах, а не только в галереях и музеях. Его проект Communication Line представляет собой длинную скамью, составленную из сидений с коконом-куполом. Коконы объединены «слуховым проходом»: сказанное как бы по секрету в одном коконе отлично слышно в другом. Здесь и намек на исповедальню (инсталляция была установлена напротив городской церки в Эйндховене), и игра в глухие телефоны.
Карбонель ближе других подошел к границе между дизайном и искусством. Его предметы такой же инструмент для самовыражения и эмоций, как и арт-работы. Он уверен, что лучше обходиться без точного определения его работ, поскольку за создание произведения искусства и дизайна отвечают одни и те же отделы мозга, а ярлыки существуют только в определенных кругах для более удобного обозначения проблемы. Смысл его объектов — затронуть чувства как можно большего количества людей, в этом дизайнер видит главный результат любого творчества.
Сейчас он живет и работает в Эйндховене. Основные галереи, представляющие его работы — Rossana Orlandi Gallery, BSL и Carpenters Workshop Gallery. Его активно привлекают крупные дизайнерские компании (как Nodus), однако он стремится больше заниматься собственными проектами. В 2014-2015 годах прошла его первая крупная персональная выставка в музее Гронинген. Также его предметы выставляются по всему миру — в 2121 Museum в Японии, в MoMA в Сан-Франциско, Институте искусства в Чикаго и других.
